Wszystkie wpisy, których autorem jest Monika

Obrazy jako ważny element designu

9 maja 2018PłótnoMonika

Sztuka w naszym życiu pełni wiele funkcji, również użytkowych. Zaprośmy ją do naszych mieszkań i cieszmy się dopracowanym, stylowym otoczeniem. Jak to zrobić?

Sztuka w czterech ścianach

Sztuka edukuje, pobudza kreatywność, przypomina nam o ważnych ideach i pomaga zatrzymać się w codziennym pędzie. Nie zapominajmy jednak, że spełnia również praktyczną funkcję: ma czynić nasze otoczenie piękniejszym. Nie ma więc nic złego w tym, że wybierając obraz do salonu, bierzemy pod uwagę jego tematykę, ale też zastanawiamy, się, czy kolorystyka pracy będzie pasowała do naszych mebli. Przemyślana kompozycja podkreśli charakter aranżacji, sprawiając, że wszystkim domownikom będzie żyło się przyjemniej.

Black Roses - obraz akrylowy na płótnie Aleksandry Michalik — „Black Roses” – obraz akrylowy na płótnie Aleksandry Michalik

Sztuka designu

Coraz więcej z nas przykłada wagę do najdrobniejszych szczegółów. Lubimy dopracowane wnętrza, w którym wszystko do siebie pasuje, od rodzaju podłogi i koloru ścian, przez rodzaj tapicerki po formę uchwytów do mebli. Sztuka, którą się otaczamy, też ma wpływ na to, jak będziemy się czuć we własny mieszkaniu i jak będzie ono odbierane przez innych. Jak więc dobrać obraz do wystroju wnętrz?

In the blink of the eye - rzeźba — „In the blink of the eye” – rzeźba Arkadiusza Gaweckiego

Przede wszystkim weźmy pod uwagę styl pomieszczenia. Do romantycznej sypialni pasować będą pełne światła akty (takie jak fotografie Dariusza Kuźmy) czy obrazy z motywami roślinnymi (na przykład „Kwiaty IV” Małgorzaty Bryndzy). W minimalistycznych salonach lepiej sprawdzą się abstrakcje, takie jak chociażby obraz „Szept” Izy Kostiukow albo nastrojowe widoki „Jan, Bernadetta i jej siostry” Romualda Mulk Musiolika.

Szept - obraz akrylowy na płótnie — „Szept” – obraz akrylowy na płótnie Izy Kostiukow

Kluczem doboru sztuki mogą być też formy, które królują we wnętrzu. Nowoczesny, oszczędny design mebli i dodatków wzmocnić można za pomocą takich rzeźb, jak „In the blik of the eye” Arkadiusza Gaweckiego bądź wręcz przeciwnie – skontrastować pracą o ciekawym, przyciągającym wzrok kształcie, na przykład rzeźbą Aleksandry Koper „DICKELOCIOUS I”. Z kolei na ścianach salonu, w którym rządzi klasyka i przepych spokojnie możemy powiesić martwą naturę w złoconej ramie: obraz „Black Roses” Aleksandry Michalik czy fotografię Katarzyny Rymarz „Impresja”.

Wybierając obraz lub rzeźbę do mieszkania, warto jednak pamiętać o podstawowej zasadzie: najważniejsze to kierować się własnym gustem… i intuicją!

* Obrazy i rzeźby dostępne wyłącznie w GalleryStore

Nasze propozycje portretu do salonu

2 maja 2018SalonMonika

Portret w pokoju dziennym będzie prezentował się efektownie, przyciągając wzrok gości ciesząc oko bliskich. Wybieramy najlepsze propozycje spośród obrazów, fotografii i rysunków.

Portret do salonu – najpiękniejsze rysunki

Rysunkowy portret to znakomity sposób na urozmaicenie aranżacji pokoju dziennego. Pełen ukrytych znaczeń, pobudzi kreatywność, każdemu kojarząc się z czymś (bądź kimś) innym. Na przykład „Portret halucynogenny” Krzysztofa Schodowskiego jednych będzie niepokoił, innym skojarzy się z uosobieniem Matki Ziemi. Rysunek „Deadme” Kamili Osowskiej to nasza propozycja dla odważnych – portret zmysłowej młodej kobiety w bieliźnie może w salonie wyglądać wyjątkowo ekscytująco.

Portret halucynogenny - Krzysztof Schodkowski — „Portret halucynogenny” – rysunek Krzysztofa Schodkowskiego

Malarskie portrety do pokoju dziennego

Ci, którzy przepadają za mocnymi barwami i chętnie stosują je w salonie, mogą w widocznym miejscu powiesić akrylowy portret, który skutecznie przyciągnie wszystkie spojrzenia. Pełen intensywnych kolorów obraz „NEON – 02” Justyny Kasperkiewicz warto połączyć z meblami z tworzywa i gładkimi dodatkami. „Little friend” Renaty Magdy to z kolei nasza propozycja do klasycznych pomieszczeń, w których na tle jasnych ścian i mebli eksponujemy ciekawe, designerskie gadżety. Zupełnie inny charakter ma kolejna praca tej samej autorki, obraz olejny „prediction…”, idealny do wnętrz romantycznych, rustykalnych, pełnych kobiecej elegancji.

NEON 02 - Justyna Kasperkiewicz — „NEON 02” – obraz akrylowy na płótnie Justyny Kasperkiewicz

Fotografia portretowa w mieszkaniu

Fani współczesnej fotografii również znajdą wiele propozycji dla siebie spośród portretów doskonałych do salonu. Pracę „kolorowa” Rafała Kuli można wyeksponować obok albumów o modzie, a wizerunek „Sprzedawczyni bursztynów” Piotra Kosińskiego – w towarzystwie pamiątek z dalekich podróży. Osobom, które kochają awangardę i lubią zaskakiwać, do gustu mogą przypaść fotografie Marty Lipskiej, na przykład „Portret za szkłem” bądź „Autopo”. Jak mówi sama artystka: „Portret to zupełnie coś innego, gdy otwierasz się na drugiego człowieka”.

Kolorowa - fotografia Rafała Kuli — „Kolorowa” – fotografia Rafała Kuli

* Obrazy dostępne wyłącznie w GalleryStore

Kwiaty w malarstwie nowoczesnym

26 kwietnia 2018Sztuka nowoczesnaMonika

Kwiaty to wdzięczny i uniwersalny temat, do którego współcześni artyści wyjątkowo chętnie wracają. Na płótnie mogą symbolizować radość, odrodzenie, kobiecość czy tęsknotę, ale też stanowić element przyjemnego dla oka, abstrakcyjnego wzoru, który pasuje do aranżacji naszego mieszkania. Przeglądamy najlepsze obrazy z motywem kwiatów.

Kwiaty: ponadczasowy motyw

Kwiaty inspirowały malarzy od zawsze. Czasem stanowiły znakomity pretekst do ćwiczenia techniki (jak w przypadku malarzy-realistów), a czasem – symbolizowały ulotność życia (na przykład na płótnach mistrzów holenderskich z XVII wieku). Do dziś są jednym z najczęściej pojawiających się w malarstwie tematów. Nic dziwnego – zachwycające i wieloznaczne formy kwiatów są jednocześnie kruche i tajemnicze. Mierzą się z nimi zarówno artyści posługujący się techniką akwarelową, olejną, jak i ci, którzy malują olejami lub gwaszem. Kwiaty w malarstwie nowoczesnym, podobnie jak w świecie przyrody, w zależności od perspektywy, potrafią zupełnie zmienić swój charakter.

Kwiaty - obraz akrylowy na płótnie — „Kwiaty” – obraz akrylowy na płótnie Agnieszki Mrowcy

Najlepsze propozycje

Obraz Kamili Krętuś „Kwiaty w wazonie” to pełna lekkości i uroku propozycja, która do każdego wnętrza wniesie powiew wiosennej świeżości. Szybkie, zdecydowane ruchy pędzla oraz jasna kolorystyka nadają kompozycji łagodnego charakteru. Podobnie do tematu kwiatów podszedł Krzysztof Tracz podczas pracy nad obrazem „Niebieskie kwiaty_1”. Tutaj bukiet również oddany został za pomocą dynamicznych, rozświetlonych plam.

Miłośnikom minimalizmu bliższy będzie z pewnością akrylowy obraz Agnieszki Mrowcy „Kwiaty”, w którym zaprezentowane płasko rośliny przypominają wzór na tapecie albo nowoczesny print na sukience młodego projektanta. Nie ma tu jednak mowy wyłącznie o ornamentalnej funkcji malarstwa. Połączenie błękitu i ciemnego fioletu intryguje i nieco niepokoi, nasuwając skojarzenia z letnią burzą.

kwiaty w wazonie - obraz olejny na płótnie — „Kwiaty w wazonie” – obraz olejny na płótnie Kamili Krętuś

Artyści sięgający po motyw kwiatów nie ograniczają się wyłącznie do płótna. Przykładem jest chociażby praca Ewy Narloch-Kierszki „Irysy-kwiaty”, namalowana specjalnymi farbami na jedwabiu. Kojarzący się z pastelowymi projektami witraży autorstwa Stanisława Wyspiańskiego obraz zachwyca delikatnością. Subtelne, srebrne kontury rośliny dodają mu magicznego uroku i sprawią, że będzie przepięknie wyglądał zarówno w świetle dziennego słońca, jak i w blasku świec.

* Obrazy dostępne wyłącznie w GalleryStore

Styl w dobrej cenie – kilka słów o akwareli

10 kwietnia 2018PłótnoMonika

Magia techniki akwarelowej związana jest w równym stopniu z umiejętnościami artysty, co z przypadkiem. Dziś sprawdzamy, za co cenią ją kolekcjonerzy i miłośnicy sztuki.

Dzieło (nie tylko) przypadku

Akwarela jest jedną z trudniejszych, ale najbardziej efektownych technik malarskich. Polega na nakładaniu laserunkowych (czyli półprzezroczystych) warstw wodnej farby na chłonny, zazwyczaj dość porowaty papier. Jej niezwykłość wynika w dużej mierze… z przypadku. Nawet doświadczony i umiejętnie posługujący się narzędziami twórca nie może w stu procentach przewidzieć, jak na podłożu „zachowa” się rozpuszczona w wodzie farba. Co więcej, ewentualne błędy czy niezamierzone plamy dość trudno zamaskować – można je jedynie nieco rozjaśnić większą ilością wody.

Akwarela "Preriokur dwuczuby" Karoliny Kijak

Kolor i światło

Efekt, jaki można uzyskać za pomocą farb akwarelowych jest niesamowicie delikatny i lekki. To właśnie dzięki nim najskuteczniej można oddać świetlistość ulotnych zjawisk natury, światłocienie, subtelność portretu, ale… nie tylko. Akwarelom można też dodać więcej dramatyzmu, kładąc nieco grubsze warstwy, podobnie jak w przypadku gwaszy i uzyskując mocniejsze kontrasty tonalne. Po akwarele sięgają chętnie nie tylko pejzażyści, tacy jak Tomasz Olszewski czy Joanna Sadecka, ale też zwolennicy abstrakcji, na przykład Agnieszka Banasiak.

Dobra inwestycja

Miłośnicy sztuki cenią akwarele z jeszcze innych, nieco bardziej praktycznych względów. Malarstwo to, choć równie wartościowe, jest zazwyczaj tańsze, niż oleje. Wymaga od artysty mniejszych nakładów finansowych na etapie tworzenia dzieła, a od kolekcjonera – prostszych sposobów na ekspozycję i konserwację. Akwarele to dobry pomysł na rozpoczęcie przygody z kolekcjonowaniem sztuki, a także zawsze wtedy, kiedy możemy zainwestować w nią mniejsze środki. Już za około 200-300 zł można zakupić prace akwarelowe Pracowni Aquarelle Klaudii Pawelec-Gliklich, Karoliny Kijak, Jana Kasendry czy Marcina Kędzierskiego. Akwarele będą stanowiły znakomitą ozdobę wnętrza i pomysł na nieprzeciętny prezent. Dlaczego warto na nie postawić? Są idealne zarówno dla początkującego kolekcjonera, jak i dla wieloletniego konesera sztuki. Ich efektowność, tajemniczość i delikatność na pewno przyciągnie wzrok naszego gościa.

Akwarela "Irys II" Pracownia Aquarelle

* Obrazy dostępne wyłącznie w GalleryStore

Marcin mikołajczak i jego sztuka

4 kwietnia 2018PłótnoMonika

Kiedy umiejętności artysty spotykają się z jego zamiłowaniem do formalnych eksperymentów, możemy spodziewać się sztuki, które nikogo nie pozostawi obojętnym. Takie są właśnie obrazy Marcina Mikołajczaka. Sprawdzamy, dlaczego warto inwestować w jego malarstwo.

Podróż przez świat

Malarstwo Marcina Mikołajczaka wymyka się wszelkim próbom klasyfikacji. Z jednej strony nawiązuje do plakatu polskiej szkoły, z drugiej – czerpie inspiracje z wielu kultur, łącząc je w eklektyczną całość. Jego obrazy nasuwają skojarzenia z fotografiami z pisma National Geographic, tyle, że pełnymi romantycznej wrażliwości. Nic dziwnego, w końcu w swojej twórczości Mikołajczak korzysta z doświadczeń, jakie zdobywał podróżując po najdalszych zakątkach świata z aparatem fotograficznym w kieszeni. Na pierwszym miejscu zawsze znajduje się u niego człowiek: zarówno jego emocjonalność, jak i atrybuty, jakie wytworzyła kultura – od ubrań po etniczną biżuterię. Co najważniejsze, bohaterowie jego obrazów zawsze mają charakter. Ich spojrzenia są pełne mocy, a gesty zdradzają witalność, ale też tajemnicę.

Marcin Mikołajczak "Letnie szaleństwo"

Triki i technika

Charakterystyczna dla artysty jest umiejętność balansowania między niezwykle precyzyjnie zaplanowaną kompozycją a rozedrganym i pełnym drapieżnego dynamizmu sposobem prowadzenia pędzla. W przypadku Mikołajczaka niespokojny impast, kładziony grubą warstwą na płótno nie jest wybiegiem czy sztuczką mającą na celu zamaskowanie braku umiejętności. Poprawna anatomia, a przede wszystkim – zachwycająca głębia są bazą, na której sprawdzają się wszelkie eksperymenty formalne. Szczególne wdzięczna w malarstwie Marcina Mikołajczaka jest wyczuta kolorystyka – przepełniona światłem, nasycona, świetnie oddaje zainteresowanie artysty podróżami po odległych, egzotycznych miejscach.

Marcin Mikołajczak "Portret VIII"

W dorobku Mikołajczaka zachwycają takie prace, jak zmysłowy i nieoczywisty akt „Kuszenie”, barwny olej „Letnie szaleństwo”, ujmujący detalami „Portret VIII” czy portret młodej Afrykanki wymownie zatytułowany „Duma”. Te prace będą stanowiły świetny sposób na dodanie swojemu otoczeniu wyjątkowego charakteru, pozwalając przenieść się myślami na drugi koniec świata i zadumać nad kondycją współczesnej cywilizacji.

* Obrazy dostępne wyłącznie w GalleryStore

Jak przygotować swój pierwszy wernisaż

28 marca 2018Sztuka nowoczesnaMonika

Prezentacja własnych prac przed szerszą publicznością jest nie tylko ukoronowaniem twórczości, ale przede wszystkim doskonałą możliwością skonfrontowania się z opinią widzów. Wystawiający regularnie artyści są siłą rzeczy wyżej cenieni przez kolekcjonerów i cieszą się większą popularnością i rozpoznawalnością wśród miłośników sztuki. Ważnym aspektem każdej wystawy jest wernisaż. Podpowiadamy, o czym warto pamiętać, organizując go po raz pierwszy.

Wernisaż – dlaczego to takie ważne

Wielu artystów, szczególnie tych, których nie reprezentuje żadna galeria, ma zazwyczaj problem z właściwą organizacją tak ważnego wydarzenia, jakim jest wystawa prac. W trakcie przygotowań większość skupia się przede wszystkim na sztuce – dopracowuje szczegóły, planuje ekspozycję oraz odpowiednie oświetlenie. To naturalne, ale wbrew pozorom warto znaleźć też czas na zaplanowanie wernisażu, czyli uroczystego otwarcia wystawy. Często nie tylko wpływa na jej odbiór, ale też pozwala zacieśnić więzy z innymi artystami, kolekcjonerami czy galerzystami.

Wernisaż warto dopasować co charakteru samej wystawy, przygotowując wydarzenie, które same w sobie może znakomicie korespondować z naszą twórczością. Pod uwagę trzeba wziąć też lokalizację i otoczenie. Czasem lepszym pomysłem będzie wytworny poczęstunek dla gości, czasem – klubowa muzyka w tle lub wernisaż połączony na przykład ze spacerem.

O czym pamiętać

Przygotowując swój pierwszy wernisaż przede wszystkim należy pomyśleć o odpowiedniej komunikacji na temat samej wystawy. Zainwestujmy w plakaty lub ulotki, ale nie zapominajmy o mediach społecznościowych. Dzięki informacjom na Instagramie czy przygotowaniu wydarzenia na Facebooku, skuteczniej dotrzemy do osób, które potencjalnie mogą być zainteresowane naszym wydarzeniem. W dalszej kolejności niezbędne będą imienne zaproszenia, wysłane do osób, na obecności których szczególnie nam zależy (takich, jak właściciele galerii, krytycy sztuki, redaktorzy i dziennikarze, osoby związane ze środowiskiem artystycznym).

Agnieszka Cyranka-Pytlik "Nad horyzontem" - obraz olejny na płótnie — „Nad horyzontem” – obraz olejny na płótnie

Jeśli to możliwe, na wernisażu zaoferujmy wino czy drobny poczęstunek, który pozwoli gościom w miłej i przyjaznej atmosferze spędzić czas na rozmowach o sztuce czy pracy. Choć to wyeksponowane w przestrzeni galerii prace mają decydujące znaczenie, elegancki gest wobec odwiedzających na pewno spotka się z aprobatą i będzie mile wspominany.

Ważnym aspektem wernisażu jest wprowadzenie gości do charakteru wystawy. Warto wykorzystać zebraną publiczność, żeby w kilku zdaniach opisać jej kontekst i znaczenie czy zwrócić uwagę na szczegóły i tropy, które mogłyby zostać niezauważone przez mniej spostrzegawczych widzów. O pracach nie musimy opowiadać sami – w imieniu artysty może wypowiadać się kurator, zaprzyjaźniony krytyk, a nawet właściciel galerii. Dobrym pomysłem jest pozostawienie czasu na zadawanie pytań i bezpośrednią rozmowę z widzami. W ten sposób można ich zainteresować swoją twórczością i pomóc im ją zrozumieć.

* Obrazy dostępne wyłącznie w GalleryStore

Czym się cechuje malarstwo współczesne?

20 marca 2018Sztuka nowoczesnaMonika

Malarz w roli gwiazdy, formalne poszukiwania i luksusowe torebki zamiast płótna. Sprawdzamy, czym charakteryzuje się malarstwo współczesne i co właściwie oznacza ten termin.

Zmiana porządków

Malarstwo współczesne to dość pojemny i niejednolity termin, na który składa się bardzo wiele trudnych do klasyfikacji nurtów, ruchów, manifestów i tendencji. Umownie jego początek datuje się na połowę XX wieku, czyli na okres powojenny. Od tamtej pory do malarstwa współczesnego zaliczyć można między innymi pop-art, hiperrealizm, Arte Povera, nową figurację czy street art, różniące się tak pod względem formalnym, jak i znaczeniowym. Do ikon współczesnego malarstwa zaliczyć można zarówno Jeana Dubuffeta oraz Roya Lichetensteina, tworzących w latach 60., jak i Wilhelma Sasnala, który nadal jest płodnym twórcą.

Ikony malarstwa

Jedną z najistotniejszych cech malarstwa współczesnego jest sama postać twórcy. Przestał być on jedynie rzemieślnikiem, naśladowcą czy dekoratorem rzeczywistości, a stał się jej interpretatorem. Coraz rzadziej motywacją do tworzenia jest próba zaimponowania odbiorcy realizmem, precyzją i techniką wykonania, które sprawiają, że obraz jest „jak żywy”. Punkt ciężkości przesunął się na emocje i pytania o sens istnienia, o zagrożenia, przed jakimi staje nowoczesna cywilizacja. Artysta świadomie rezygnuje z wykorzystywania swoich umiejętności na rzecz eksperymentu. Co więcej, sam często staje się kreacją, a jego osobowość na wskroś przenika sztukę. Niekiedy, jak w przypadku Andy Warhola, Marka Rothko czy wielu innych, artysta-malarz staje się legendą za życia, ikoną porównywalną do rockowych muzyków.

Michał Król - Czarna Madonna — Michał Król – Czarna Madonna (Czarna kobieta)

Nowe techniki

Współcześni malarze szczególnie chętnie wypróbowują odważne techniki i nowatorskie rozwiązania, takie jak abstrakcyjne kompozycje, kolaż, fotomontaż i wiele innych. Idą też o krok dalej, pozwalając malarstwu przekraczać granice, jakie dotąd mu wyznaczano. Płótnem równie dobrze może być ściana, ludzkie ciało, jak i luksusowa torebka znanego domu mody. Co ciekawe, współcześnie wychodzi się również z założenia, że nie trzeba w ogóle malować, żeby móc nazywać się artystą (to możliwe w konceptualizmie).

Technika w malarstwie współczesnym zdaje się mieć podrzędne znaczenie. Jest uzależniona od decyzji dotyczącej tego, o czym i w jakim tonie twórca chce przez swoje dzieło powiedzieć. Biorąc pod uwagę dorobek współczesnego malarstwa można bez trudu zauważyć, że do zobrazowania społecznych napięć i wewnętrznego niepokoju tak samo skutecznie posłużyć może akwarela, jak i eksperymentalne rozwiązania z zakresu malarstwa i sztuki ziemi.

Gea Guillemot - A 129 — Gea Guillemot – A 129

* Obrazy dostępne wyłącznie w GalleryStore

Wiosna w akrylowej odsłonie

16 marca 2018Dekoracje ścienneMonika

Malarstwo akrylowe to technika malarska, stanowiąca doskonałą alternatywę dla oleju. Za pomocą farb akrylowych można uzyskać zarówno efekt mocnego krycia, jak i delikatny laserunek, przypominający nieco akwarelę. Poziom krycia i intensywność plamy koloru zależy nie tylko od sposobu położenia jej na płótno, ale przede wszystkim od rodzaju rozpuszczalnika. Organiczne, takie jak chociażby olej lniany, powodują, że akryle bardziej przypominają farby olejne. Woda upodabnia je z kolei do delikatniejszych gwaszy. Dzięki możliwościom uzyskania tak wielu różnorodnych rezultatów, a także ze względu na wygodę ich stosowania i szybkość wysychania każdej warstwy, farby akrylowe są jedną z najpopularniejszych technik, często wykorzystywaną na przykład w plenerze.

Z kolei przez kolekcjonerów i miłośników sztuki obrazy akrylowe cenione są między innymi ze względu na intensywność barw, a także precyzję szczegółów, którą umożliwia ta technika. Co ważne, akryle pozostawiają na powierzchni płótna elastyczną, gładką i bardzo trwałą powłokę, która nie żółknie i dłużej utrzymuje intensywność kolorów, niż na przykład obrazy olejne, które co jakiś czas odświeża się tak zwanym werniksem.

Obraz akrylowy "Gwiazdy" - Filip Warzecha Obraz akrylowy "02 Tancerka" Olgi Hausmann

Romantyczny akcent

Jeśli szukasz idealnego sposobu na urozmaicenie wiosną wnętrza, czy to sypialni, czy kuchni, weź pod uwagę zakup obrazu akrylowego, który przyciągnie wzrok wszystkich gości. Wybór najlepszego obrazu akrylowego warto dostosować do swoich preferencji, a także aranżacji przestrzeni, w której chcemy go powiesić. Wiosna sprzyja romantyzmowi spod znaku baśni i eterycznej abstrakcji. To najlepszy czas, żeby odważyć się na takie obrazy, jak „Imagination World” Elizy Kleczewskiej, „02 Tancerka” Olgi Hausmann lub „Wędrujące myśli” Renaty Magdy. Każdy z tych obrazów prezentuje motyw kobiety w inny sposób, ale łączy je jedno – wyjątkowa nastrojowość, która świetnie wpisze się w charakter pierwszych, wiosennych dni.

Czerń i biel

Wiosną nie musimy ograniczać się wyłącznie do sentymentalnego malarstwa. Artyści stosują technikę akrylową również do oddania dramatycznych, pełnych kontrastów scen, a także geometrycznych abstrakcji. Osobom, które nie przepadają za dosłownością malarstwa przedstawiającego mogą spodobać się takie obrazy, jak „Gwiazdy” Filipa Warzecha czy „Ugier” Gosi Mitki. Ekscytująca i niepokojąca zarazem jest również „Abstrakcja 11” Anny Trzupek, w której plamy koloru położone są w rozedrgany, pełen dynamizmu sposób, który sprawia, że od dzieła trudno oderwać wzrok.

Obraz akrylowy "Imagination World" Elizy Kleczewskiej Akryl "Wędrujące myśli" Renaty Magdy

* Obrazy dostępne wyłącznie w GalleryStore

Jak żywy – czyli o niezwykłej sile rysunku

12 marca 2018Malarstwo ręczneMonika

Rysunek, szczególnie ten realistyczny, wiernie oddający szczegóły zarówno świata, który nas otacza, jak i tego wyobrażonego przez artystę, to jedna z najstarszych i najbardziej docenianych technik artystycznych na świecie. Niekiedy trudno uzmysłowić sobie, że zachwycający pejzaż czy portret, który z niemal fotograficzną precyzją odzwierciedla podobieństwo, są jedynie kompozycją umiejętnie pozostawionych na papierze śladów ołówka, węgla czy stalówki.

Już w renesansie Lorenzo Ghiberti zauważył, że to rysunek jest podstawą wszystkich sztuk, a Michał Anioł mawiał podobno, że „umiejętność rysunku jest źródłem i istotą samego malarstwa”. To właśnie po rysunku najłatwiej ocenić umiejętności artysty – nic więc dziwnego, że rysunki są zwykle wysoko cenione i pożądane przez kolekcjonerów i miłośników sztuki. W jakie przede wszystkim warto zainwestować?

Portrety i akty

Realistyczne, wypracowane portrety, a także nastrojowe akty to jeden z najchętniej wybieranych tematów. Oddając emocjonalność portretowanej osoby, mają niezwykłą siłę oddziaływania na oglądających. „Portret brodacza” Mateusza Kaczmarczyka niesie ze sobą niezwykłą tajemnicę i prowokuje do rozmyślań nad losem przedstawionego mężczyzny. Z kolei „Coma” Kamili Osowskiej to utrzymana w klimatach sztuki erotycznej praca, która doskonale sprawdzi się na ścianie sypialni lub jako prezent dla bliskiej osoby. Osowska jest też autorką wielu znakomitych portretów, takich jak na przykład „Salome”.

Mateusz Kaczmarczyk "Brodacz" Kamila Ossowska "Coma"

Pejzaże jak ze zdjęcia

Pejzaż to jeden z najwdzięczniejszych tematów, po jaki sięgają artyści wykorzystujący w swojej twórczości rysunek. Takie prace, jak na przykład „Leśne postacie słońca” Angeliki Mus-Nowak są tak szczegółowo dopracowane, że nawet w najmniejszej przestrzeni stworzą złudzenie trójwymiarowości, jednocześnie wprowadzając wyjątkowy nastrój i powiew relaksującej świeżości. Podobnie zadziałać mogą inne rysunki tej samej artystki: nastrojowy „Jak długo jeszcze woda będzie powielać” i „Trójkąt z czerwonych liści”, który w najbardziej subtelny z możliwych sposób oddaje atmosferę popołudniowej godziny, tuż przed zachodem słońca.

"Leśne postacie słońca" Angelika Mus Nowak "Trójkąt z czerwonych liści" Angelika Mus Nowak

Interpretacja – jak dużo od niej zależy

2 marca 2018Malarstwo ręczneMonika

Co autor miał na myśli? Chociaż to pytanie zdarza nam się słyszeć często, odpowiedź na nie nie ma żadnego znaczenia. Liczy się przecież to, co odczyta widz. To jego skojarzenia i wnioski sprawiają, że dzieło sztuki przestaje być wyłącznie kompozycją plam i kresek albo beznamiętnym konceptem artysty, a zaczyna mieć realny wpływ na rzeczywistość. Czy portret młodej kobiety opowiada historię jednej, konkretnej osoby, czy stanowi alegorię dojrzewania? Czy przedstawiona na obrazie scena jest bardziej romantyczna, czy niepokojąca? Czy abstrakcyjny obraz przedstawiający syntetyczne, geometryczne kształty ma jakąkolwiek wartość artystyczną? To wszystko zależy właśnie od interpretacji.

Obraz „Karaibskie wakacje” Danuty Matuszak

Gra w skojarzenia

Chociaż twórca zostawia czasem trop w postaci tytułu, rozwikłanie zagadki dotyczącej tego, co tak naprawdę znajduje się na obrazie i jakie ma znaczenie, nie zawsze jest proste i jednoznaczne. To, co dla jednych jest niezwykłe, innym wyda się błahe, oczywiste i niewarte analizy. I odwrotnie – jedni przejdą obojętnie wobec tego, co zachwyca pozostałych. Od czego to zależy? Między innymi od osobistych doświadczeń, które pozostawiają w umyśle swego rodzaju mapę skojarzeń. Na interpretację sztuki wpływają odbyte podróże, spotkani ludzie, doznawane emocje, obejrzane filmy, a także… poziom wiedzy i osobista wrażliwość. Obraz „Karaibskie wakacje” Danuty Matuszak może być odbierany zarówno jako nastrojowa, letnia pocztówka, jak i jako kadr po brzegi wypełniony samotnością i pustką. Praca „Mroźna góra” Małgorzaty Burcickiej-Kozieł niektórych wprowadzi w błogi nastrój, innym wyda się niepokojąca. Z kolei olej „Pierwszy śnieg” Małgorzaty Nowak może kojarzyć się ze zdjęciem z rodzinnego albumu, ulubionym teledyskiem albo… pozostawiać obojętnym.

Obraz „Mroźna góra” Małgorzaty Burcickiej-Kozieł

Jak nauczyć się czytać sztukę

Czy można nauczyć się prawidłowo interpretować dzieła sztuki? Absolutnie nie – bo każdy sposób odczytania obrazu czy rysunku będzie dobry, jeśli za taki go uznamy. To, co leży w naszej gestii, to próba rozwijania wyobraźni, szukania powiązań między tekstami kultury, obcowania z twórczością i dyskutowanie o niej z ludźmi – również tymi, którzy twierdzą, że nie znają się na sztuce. Warto słuchać, co na temat danej kompozycji czy kadru mają do powiedzenia inni. Kto wie, czy ich interpretacja nie otworzy nam oczu na coś, co do tej pory wydawało się niedostrzegalne?