Wszystkie wpisy, których autorem jest Monika

Sztuka od wieków fascynuje ludzkość swoją niepowtarzalnością i pięknem. Obrazy stanowią jedno z najważniejszych wyrazów artystycznych, które pozwalają nam zanurzyć się w świat emocji, symboliki i wyobraźni twórcy. Jednak odczytywanie i interpretacja dzieł sztuki może być czasami zagadkowa i wymagająca. W tym kompleksowym poradniku, przyjrzymy się różnym podejściem do analizy obrazów, odkryjemy ukryte znaczenia, prześledzimy kontekst artystyczny i nauczymy się rozumieć techniki malarskie. Wszystko po to, aby pomóc Ci lepiej zrozumieć i docenić świat sztuki.

Interpretacja i odczytywanie obrazów

Rozpoczynając analizę dzieła sztuki, warto zastanowić się, co artysta chciał przekazać i jakie emocje chciał wzbudzić u widza. Każdy obraz ma swoją historię, a jego interpretacja zależy w dużej mierze od indywidualnego doświadczenia i perspektywy oglądającego. Nie ma jednej „poprawnej” odpowiedzi, dlatego zachęcamy do otwartości na różnorodne interpretacje. Przyglądając się obrazowi, zwróć uwagę na kompozycję, kolorystykę, użyte motywy oraz wykorzystane techniki malarskie. To wszystko może dostarczyć wskazówek na temat przekazu artysty.

Kontekst dzieła sztuki

Kontekst to kluczowy element analizy dzieła sztuki. Należy wziąć pod uwagę okoliczności, w jakich powstało i wydarzenia mające na nie wpływ. Czasem historia artysty lub epoki, w której stworzona została praca, może rzucić nowe światło na odczytywanie obrazu. Warto zbadać życie i twórczość artysty oraz panujące w danym okresie tendencje artystyczne, np. kubizm czy naturalizm. Przykładowo, dzieło malarskie powstałe w czasach renesansu może zawierać odniesienia do mitologii czy filozofii tego okresu.

Kompozycja i techniki malarskie

Kompozycja, czyli układ elementów w obrębie obrazu, odgrywa ważną rolę w przekazie artystycznym. Analizując kompozycję, zwracamy uwagę na balans, proporcje, kierunki i główne punkty zainteresowania.

Techniki malarskie, takie jak światłocień, kolorystyka czy faktura, wpływają na wyrazisty charakter obrazu i jego oddziaływanie na widza. Różnorodność technik malarskich pozwala artystom na wyrażanie siebie na wiele różnych sposobów, co sprawia, że każde dzieło jest wyjątkowe.

Techniki malarskie to zróżnicowany zestaw narzędzi i działań wykorzystywanych przez artystów do tworzenia swoich prac. Każda z tych technik ma swoje charakterystyczne cechy, które wpływają na ostateczny wyraz obrazu. Oto kilka popularnych technik malarskich:

• Akwarela – jest techniką, w której farby akwarelowe są rozcieńczane wodą i nanoszone na papier. Charakteryzuje się przezroczystymi warstwami i delikatnymi przejściami kolorów. Farby akwarelowe pozwalają na tworzenie subtelnych efektów świetlnych, co sprawia, że akwarele często są wykorzystywane do malowania pejzaży i portretów.
• Olej na płótnie – technika olejna jest jedną z najstarszych i najbardziej wszechstronnych metod malowania. Farby olejne mają gęstą konsystencję, co pozwala na długie mieszańce i precyzyjną kontrolę nad kolorem. Dzięki temu artyści mogą tworzyć głębokie i intensywne barwy oraz bogate tekstury. Obrazy na płótnie tworzone techniką olejną wymagają czasu na wyschnięcie, ale daje możliwość wielokrotnych poprawek i korekt, co cenią sobie artyści, którzy chcą osiągnąć szczegółowe i realistyczne efekty.
• Akryl na płótnie – akryl to farby wodno-akrylowe, które są bardzo popularne w sztuce współczesnej. Charakteryzują się szybkim schnięciem i trwałością, co pozwala na tworzenie wielu warstw i impasto (grubego nałożenia farby). Akryle pozwalają na różnorodność technik, od wyjątkowo realistycznych po bardziej abstrakcyjne i ekspresyjne wyrażenie.
• Pastel – malowanie pastelami to technika charakteryzująca się miękkimi i kredowymi pastelami, które są aplikowane bezpośrednio na powierzchnię, na przykład papier. Pastele pozwalają na tworzenie delikatnych przejść i miękkich kolorów, co jest szczególnie cenione przy malowaniu portretów i pejzaży.
• Spray paint – malarstwo sprayem, zwane również graffiti, to technika charakteryzująca się używaniem farb w aerozolu do tworzenia dynamicznych i ekspresyjnych dzieł sztuki. Często wykorzystywane jest do tworzenia takich dzieł jak obraz abstrakcja. Malarstwo sprayem jest szczególnie popularne w street art’cie i sztuce współczesnej.

Symbolika i ukryte znaczenia

Wielu artystów posługuje się symboliką, aby przekazać głębsze znaczenia i emocje. Symbole mogą być ukryte w przedstawionych postaciach, przedmiotach lub krajobrazie. Kluczem do odczytywania symboli jest uwzględnienie kontekstu dzieła i zrozumienie artystycznej intencji. Przykładowo, motyw kwiatów może symbolizować życie, miłość lub przemijanie, podczas gdy kolor czerwony może oznaczać namiętność lub niebezpieczeństwo.

Wywoływanie emocji poprzez obrazy

Jednym z najważniejszych celów sztuki jest wywoływanie emocji u widza. Analiza dzieła sztuki powinna koncentrować się na tym, jakie uczucia budzi ono w oglądającym. Czy jest to zachwyt, smutek, złość czy radość? Emocje, które wywołuje obraz, są bezcennym wskaźnikiem artystycznego sukcesu. Wyobraź sobie obraz pejzażu, który budzi w Tobie poczucie spokoju i harmonii, a następnie obraz abstrakcji, który pobudza Twoją wyobraźnię i kreatywność. Różnorodność emocji, jakie wzbudza sztuka nowoczesna czy wręcz przeciwnie starożytna, pokazuje, jak potężnym jest medium.

Zastosowanie narzędzi analitycznych w analizie dzieła sztuki

Podczas analizy dzieła sztuki można skorzystać z różnych narzędzi analitycznych, takich jak teoria koloru, perspektywa czy elementy kompozycyjne. Posługując się tymi narzędziami, możemy odkryć nowe aspekty obrazu i pogłębić naszą interpretację. Na przykład zastosowanie perspektywy w malarstwie może nadać obrazowi głębi i trójwymiarowości, a analiza teorii koloru pomoże nam zrozumieć, jakie emocje i nastroje chciał przekazać artysta poprzez wybór konkretnych barw.

Odczytywanie i interpretacja dzieł sztuki to fascynujący proces, który pozwala nam zbliżyć się do duszy artysty i odkryć własne emocje i refleksje. Wszystkie aspekty analizy – kontekst, kompozycja, techniki malarskie, symbolika i emocje – łączą się w kompletną opowieść obrazu. Pamiętajmy, że nie ma jednoznacznych odpowiedzi, a odczytywanie sztuki to subiektywny proces, który pozwala na odkrywanie jej wielowymiarowych znaczeń. Zachęcamy Cię do eksplorowania sztuki, zgłębiania różnych stylów i epok, ponieważ każde spotkanie z obrazem może być nową podróżą do świata wyobraźni i inspiracji.

Jeśli chcesz zainwestować w sztukę lub po prostu lepiej ją poznać, koniecznie zainteresuj się najważniejszymi licytacjami, jakie planowane są na tegoroczne lato. W których warto wziąć udział? Przedstawiamy Ci trzy najważniejsze wydarzenia na terenie Polski.

1. “114. Aukcja Sztuki Współczesnej” w Rempex 22 czerwca 2023

Znakomita okazja, żeby wejść w posiadanie ważnych dzieł sztuki – takich, jak obrazy Victora Vasarely’ego, Leona Tarasewicza, Zdzisława Beksińskiego, Oto Axera czy Alfreda Lenicy. Prace czołowych postaci historii sztuki współczesnej wylicytować można na aukcji organizowanej przez warszawskie Rempex 22 czerwca 2023. Listę wszystkich, wraz z cenami wywoławczymi, znajdziesz na stronie internetowej tego domu aukcyjnego.

2. “32. Aukcja Sztuki XXI wieku” w Sopockim Domu Aukcyjnym 24 czerwca 2023

Na aukcji “32. Aukcja Sztuki XXI wieku” w Sopockim Domu Aukcyjnym oraz online już 24 czerwca będzie można wylicytować dzieła współczesnych artystów, takich jak Aleksandra Waliszewska, Bartosz Kokociński, Piotr Boroń czy Urszula Tekieli. Estymacja wielu obiektów zaczyna się od 2500 zł, więc to dobra szansa dla tych osób, które chcą zainwestować w sztukę, ale nie mają środków na dzieła pobijające na licytacjach rekordy cenowe. Już teraz można obejrzeć w sopockiej instytucji przedaukcyjną wystawę.

„Sztuka współczesna. Pop-art. Popkultura. Postmodernizm” w DESA Unicum 27 czerwca 2023

Tej licytacji nie możesz przeoczyć, jeśli jesteś wielbicielem sztuki współczesnej. Ten autorski projekt skupia się przede wszystkim na pop-arcie i postmodernizmie w sztukach wizualnych, a organizowany jest już po raz drugi – pierwsza edycja odbyła się w 2021 roku. Na aukcji będzie można wylicytować prawdziwe smaczki, takie jak praca Andy Warhola z 1983 roku „Grevys Zebra” z cyklu „Endangered Species” czy „Bullmastiff” z cyklu „Dwudziesty trzeci” Edwarda Dwurnika z 2015 roku. Aukcja „Sztuka współczesna. Pop-art. Popkultura. Postmodernizm” odbędzie się w DESA Unicum w Warszawie 27 czerwca 2023, ale licytować można również online.

Jeśli chcesz być na bieżąco ze wszystkimi licytacjami, śledź koniecznie profile społecznościowe polskich domów aukcyjnych i sprawdzaj terminarze oraz zapowiedzi na ich stronach internetowych.

Jeśli interesują Cię ważne wydarzenia w świecie sztuki, nie możesz przeoczyć wystawy „Drugiej wiosny nie będzie… Dzieci i sztuka w XX i XXI wieku” w galerii Zachęta w Warszawie, która wbrew pozorom opowiada nie tylko o najmłodszych.

Od 31 marca do 18 czerwca w warszawskiej galerii Zachęta obejrzeć można wystawę „Drugiej wiosny nie będzie… Dzieci i sztuka w XX i XXI wieku”, kuratorowaną przez Joannę Kordjak. Jak podkreślają sami twórcy tej ekspozycji, jej tytuł jest cytatem z Franza Cižka, pioniera edukacji artystycznej z początku XX wieku. Słowa te, odnoszące się do dzieciństwa, brzmią jak przestroga, ale jednocześnie – jak wezwanie do działania i podejmowania odpowiedzialności, zarówno za innych, jak i za własne decyzje. Prace zebrane na tej wystawie dotyczą wielu problemów, z jakimi muszą mierzyć się we współczesnym świecie najmłodsi: z przemocą równieśniczą i domową, doświadczeniem pandemii, wojny i uchodźstwa. Na wystawie zobaczyć można prace takich artystów współczesnych, jak Paweł Althamer, Alicja Nauman, Discoteca Flaming Star, Kolektyw Holobiont, Eva Kotátková czy Maxence Rifflet.

Dzieciństwo z wielu perspektyw

Wystawa „Drugiej wiosny nie będzie… Dzieci i sztuka w XX i XXI wieku” jest różnorodna i podejmuje zagadnienie dzieciństwa z wielu różnych perspektyw. Przywoływane są w ramach tej ekspozycji praktyki pionierów nowoczesnej pedagogiki (takich, jak chociażby Janusz Korczak czy Maria Montessori), ale też założenia alternatywnej edukacji z pierwszej połowy XX wieku. Jak wskazują twórcy wystawy w warszawskiej zachęcie, “ich wspólnym mianownikiem jest wspieranie kreatywności dzieci poprzez interdyscyplinarność, naukę różnych umiejętności i doświadczanie rzeczywistości poprzez różne zmysły”. Warto zajrzeć, żeby uzmysłowić sobie, jak ważnym podmiotem naszych starań (zarówno osobistych, jak i tych na społecznej czy politycznej płaszczyźnie) są właśnie dzieci.

Zastanawiasz się, jakie wystawy są warte obejrzenia? Jeśli wybierasz się w czerwcu do Warszawy, Krakowa lub Poznania, zajrzyj na ekspozycje, które wybraliśmy w tym artykule jako “must see” dla każdego miłośnika sztuki.

Miłośnicy sztuki nie będą się tego lata nudzić. W czerwcu można w Polsce obejrzeć kilka naprawdę interesujących wystaw – i to na terenie całego kraju. Nie ma znaczenia, czy wybierasz się w podróż tylko po to, by na nie zajrzeć, czy chcesz odwiedzić instytucję sztuki przy okazji zwiedzania miasta – każdy powód jest dobry. Sprawdź, jakie trzy wystawy naszym zdaniem są wyjątkowo warte uwagi.

1. Małgorzata Mirga-Tas: „Przeczarowując świat” w Zachęcie w Warszawie

Wystawa zatytułowana „Przeczarowując świat” polsko-romskiej artystki Małgorzaty Mirgi-Tas, kuratorowana przez Wojciecha Szymańskiego i Joannę Warszę, czeka na Ciebie w Zachęcie – Narodowej Galerii Sztuki. W 2022 roku reprezentowała ona Polskę na 59. Biennale di Venezia. Składa się z wyszywanych makat, zajmujących całą płaszczyznę ścian w pomieszczeniu instytucji. Te wyjątkowe prace, powstałe techniką tekstylnego kolażu, opowiadają o życiu, kulturze i mitologii Romów. Składają się z trzech pasów – górny prezentuje dzieje wędrówek Romów po Europie i bezpośrednio nawiązuje do grafik lotaryńskiego rytownika Jacques’a Callota. Środkowy pas to archiwum romskiej historii budowane z kobiecej perspektywy, prezentujący ważne dla historii czy polityki postaci. Dolny ukazujące współczesne życie codzienne w rodzinnej wsi artystki, Czarnej Górze.

2. “Kenya Hara. Japońskie projektowanie graficzne” w Muzeum Narodowym w Poznaniu

Pierwsza w Polsce autorska wystawa jednego z najbardziej uznanych na świecie japońskich projektantów, Kenya Hary, który od 1993 r. związany jest z Nippon Design Center. To postać wybitna i bardzo ceniona w świecie projektowania graficznego. Hara ma na koncie wiele międzynarodowych wystaw, jest dyrektorem kreatywnym popularnej firmy MUJI oraz autorem książek, w których łączy design z filozofią życia. Wystawa w Poznaniu organizowana w ramach Nagrody im. Jana Lenicy, przyznawanej przez Muzeum Narodowe w Poznaniu od 2002 roku. Na ekspozycji przedstawione są wybrane przez artystę plakaty oraz książki jego autorstwa. Na pewno warto zobaczyć!

3. “Nowosielski. W setną rocznicę urodzin” w Muzeum Narodowym w Krakowie

Wystawa, przygotowana z okazji setnej rocznicy urodzin wybitnego polskiego malarza, Jerzego Nowosielskiego, przedstawia trzy wątki w jego twórczości: pejzaż, ciało i abstrakcję. Kuratorka Anna Budzałek postarała się wybrać takie prace z bogatej kolekcji krakowskiego Muzeum, które najlepiej prezentują myśl przewodnią w twórczości Nowosielskiego. Na tę wystawę warto się wybrać chociażby po to, by docenić jego wszechstronność, do dziś stanowiąc inspirację dla malarzy czy rzeźbiarzy. Nasza wskazówka: na wizytę w gmachu MNK warto poświęcić więcej czasu – obrazy Nowosielskiego aż proszą się o spokojną, niespieszną kontemplację.

Jak widzisz, wartościowych wystaw nie zabraknie tego lata w Polsce. Organizując city break do Warszawy, Poznania., Wrocławia, Krakowa czy innych miast, zajrzyj do miejscowych instytucji oraz galerii sztuki. Możesz połączyć zwiedzanie miasta z oglądaniem naprawdę ciekawych ekspozycji. Udanej zabawy w doświadczaniu sztuki!

Druga połowa 2023 roku obfituje w wyjątkowe wystawy malarstwa i rzeźby, które obiecują zafascynować zarówno miłośników sztuki, jak i osoby dopiero zaczynające swoją przygodę z tym światem. Wydarzenia te to doskonała okazja, by zanurzyć się w różnorodności i emocjach, jakie niesie ze sobą sztuka. Od retrospektywicznej ekspozycji z malarstwem Jana Matejko, przez awangardowe prace młodych artystów, aż po unikalne prezentacje sztuki z różnych zakątków świata – oto wystawy, które warto zobaczyć w drugiej połowie 2023 roku.

Sztuka jest uniwersalnym językiem, który pozwala nam na różne sposoby wyrażać i doświadczać rzeczywistości. Bez względu na to, czy jesteś wieloletnim entuzjastą malarstwa i rzeźby, czy nowicjuszem w tych dziedzinach, zawsze jest coś magicznego w odkrywaniu nowych dzieł i form wyrazu. Wystawy malarstwa i rzeźby, które można odwiedzić w drugiej połowie 2023 roku, dają nam okazję, aby doświadczyć tego, co najważniejsze w sztuce: uczuć, idei, wizji artystów. Bez względu na to, jakie są twoje zainteresowania, z pewnością znajdziesz coś dla siebie na liście nadchodzących wydarzeń artystycznych. Zamiast na festiwale muzyczne, wolisz ruszyć w trasę po polskich muzeach i galeriach? Zobacz, co warto wpisać do swojego kalendarza już teraz i odwiedź festiwale sztuki.

Arkadia w Muzeum Narodowym w Warszawie (listopad 2023-kwiecień 2024)

Na wystawie “Arkadia” w warszawskim Muzeum Narodowym zaprezentowane zostaną różne ujęcia tego kulturowego mitu, stanowiącego utopię ładu, błogiego szczęścia, wiecznej młodości i swobodnej erotyki. Sam topos Arkadii można rozumieć wielorako: to idealny pejzaż kultury śródziemnomorskiej, w czasach nowożytnych – dworski ogród, miejsce ucieczki przed cywilizacją, przestrzeń harmonijnego zespolenia przyrody z człowiekiem. Arkadia to też znana z mitologii greckiej kraina pasterek i pasterzy, nimf, satyrów i faunów, umiejscowiona na Peloponezie.

Arkadią nazywane były również ogrody arystokratów i artystów, ziemiańskie siedziby, egzotyczne krainy i malownicze regiony. Na ekspozycji będzie można podziwiać dzieła sztuki od wczesnego renesansu do współczesności, a wiele z nich pobudzi do refleksji na temat – jak podkreślają twórcy wystawy – “świadomości zagrożeń cywilizacyjnych, refleksji o stanie Ziemi, degradacji przyrody wskutek postępu technologicznego i zaburzonej równowadze między ekonomią i ekologią, człowiekiem i naturą”.

Matejko. Malarz i historia w Muzeum Narodowym w Krakowie (czerwiec 2023-styczeń 2024)

Wystawa „Matejko. Malarz i historia” w Muzeum Narodowym w Krakowie przybliż sztukę krakowskiego artysty każdemu. Na ekspozycji prezentowane są zarówno obrazy wielkiego cyklu historycznego, jak i dziesiątki prac o małym formacie, pochodzących ze zbiorów prywatnych oraz zagranicznych, a także szkice i rekwizyty, które wykorzystywane były przez Matejkę w procesie twórczym. W sumie w Krakowie można obejrzeć zgromadzonych w jednym miejscu ponad trzysta dzieł ukazujących bogactwo dokonań jednego z najpopularniejszych polskich artystów. Wystawa przypomina także o społecznych zasługach Matejki – można obejrzeć liczne świadectwa wdzięczności i uznania kierowane właśnie na jego ręce.

Katarzyna Depta-Garapich, Małgorzata Mirga-Tas “Trzysta diabłów zjadłeś” Galeria Skala w Poznaniu (czerwiec-wrzesień 2023)

Tej wystawy nie możesz przeoczyć, jeśli będziesz do września w Poznaniu. Poświęcona jest motywowi… diabła. Tak o nim pisze kuratorka, Marta Lisok: “Jako >>Ten, który zjadł trzysta diabłów<< (jak czytamy u Stanisława Witkiewicza) nie dawał się łatwo przechytrzyć, okiełznać ani pokonać. Przypisywano mu niezwykłą siłę, co zachęcało do czynienia go bohaterem opowieści, w których pojawiał się jako protoplasta znamienitych rodów, królów, wojowników. Występował jako postać półboska, demon, a czasem, jak u św. Augustyna, jako upostaciowienie samego diabła”. Katarzyna Depta-Garapich i Małgorzata Mirga-Tas odwołują się do jego postaci na wystawie, przywołując historie i obrzędy – zarównoe te fikcyjne, jak i poświadczone w archiwach etnografów, rozgrywające się zarówno w wymiarze wspólnotowym, jak i prywatnym. Na wystawie obejrzymy obiekty, które są jednak czymś innym niż zwyczajne “rzeźby”. Takie wystawy po prostu trzeba zobaczyć!

Sztuka ma moc poruszania serc i umysłów, otwierania nas na nowe doświadczenia i perspektywy. Bez względu na to, czy jesteś doświadczonym koneserem, czy dopiero zaczynasz swoją przygodę ze sztuką, nadchodzące wystawy malarstwa i rzeźby na pewno zaoferują Ci inspirujące i pamiętne doświadczenia. Zanurz się w magicznym świecie sztuki i odkryj jej różnorodność i piękno w drugiej połowie 2023 roku. Przed Tobą niezwykła podróż po malarstwie Matejki i możliwość obejrzenia wyjątkowej ekspozycji dwóch współczesnych polskich artystek.

Wyjątkowa okazja dla artystów i kuratorów. Minister Kultury i Dziedzictwa Narodowego oraz Zachęta – Narodowa Galeria Sztuki organizują konkurs na projekt wystawy, która realizowana będzie w Pawilonie Polskim w ramach 60. Międzynarodowej Wystawy Sztuki w Wenecji w 2024. Co trzeba zrobić, by w nim wystartować? Sprawdźmy.

Tak wyjątkowe i prestiżowe okazje nie zdarzają się często. Minister Kultury i Dziedzictwa Narodowego we współpracy z Zachętą – Narodową Galerią Sztuki organizują konkurs na projekt wystawy, która ma być realizowana w Pawilonie Polskim w ramach 60. Międzynarodowej Wystawy Sztuki w Wenecji w 2024, czyli La Biennale di Venezia. Kuratorem generalnym jest Adriano Pedrosa, a możliwość zaprezentowania swojej twórczości właśnie na tym wydarzeniu może być dla wielu trampoliną do sukcesu lub jego ukoronowaniem. Konkurs jest otwarty, a składa się w dwóch etapów. W pierwszym należy złożyć ogólną koncepcję wystawy wraz z określonym autorskim tematem przewodnim, ogólną wizualizację wystawy oraz ogólny kosztorys wystawy.

Zasady konkursowe. Te informacje musisz znać

Jakie są zasady konkursu na wystawę w Pawilonie Polskim? Konkurs jest skierowany do zespołów tworzonych przez artystów i kuratorów. Przynajmniej jeden uczestnik zespołu musi posiadać wykształcenie wyższe, cechować się dobrą znajomością zagadnień sztuki współczesnej i mieć doświadczenie kuratorskie w organizowaniu wystaw (w przypadku artysty niezbędny jest udokumentowany dorobek artystyczny). Uczestnicy konkursu powinni też wyróżniać się dobrą znajomość języka angielskiego.

Co jeszcze warto wiedzieć? Ogólne koncepcje wystaw wszystkich dopuszczonych projektów, które złożone zostaną w pierwszym etapie konkursu, zostaną upublicznione po ogłoszeniu wyników, wyłącznie za pisemną zgodą zespołów. Termin składania projektów do etapu pierwszego upływa 15 czerwca 2023 roku. Decyduje data wpływu do kancelarii organizatora na adres warszawskiej Zachęty. Regulamin konkursowy oraz plany Pawilonu Polskiego dostępne są na stronie internetowej galerii.

W 2022 roku w Polskim Pawilonie w Wenecji można było zobaczyć projekt autorstwa polsko-romskiej artystki Małgorzaty Mirgi-Tas. Wystawa zatytułowana „Przeczarowując świat” składała się z 12 wielkoformatowych makat na ścianę.

Obraz Józefa Chełmońskiego “Babie lato” kojarzy chyba każdy. Wybitne malarstwo tego przedstawiciela realizmu to dorobek, obok którego trudno przejść obojętnie. Co wiemy na temat edukacji i życia prywatnego artysty? Poznaj więcej szczegółów w naszym wpisie.

Józef Chełmoński: kim był i dlaczego warto to wiedzieć?

Józef Chełmoński to wybitny polski malarz i rysownik, którego twórczość osiągnęła szczyt popularności w drugiej połowie XIX wieku. Znany jest przede wszystkim ze swojego unikalnego, realistycznego stylu i powszechnie uznawany za jednego z najważniejszych artystów polskiego malarstwa. Jego prace, ukazujące przede wszystkim polską naturę i wiejskie życie, są traktowane jak ikony sztuki narodowej. Dlaczego warto przybliżyć sobie jego twórczość? Bo to nie tylko pogłębienie wiedzy na temat polskiego dziedzictwa kulturowego i historycznego, ale też możliwość zafundowania sobie estetycznej przyjemności.

Życie i edukacja Chełmońskiego

Józef Chełmoński urodził się w 1849 roku w majątku Boczki, zlokalizowanego koło Łowicza. Dorastał w rodzinie o silnych tradycjach patriotycznych, które wpłynęły na jego zamiłowanie do ukazywania w malarstwie polskiego krajobrazu i tradycji. W 1867 roku rozpoczął naukę w warszawskiej Klasie Rysunkowej, gdzie był uczniem Wojciecha Gersona.

W 1872 roku wyjechał do Monachium, gdzie doskonalił swój warsztat pod okiem niemieckich mistrzów malarstwa. W 1875 z kolei udał się do Paryża, gdzie osiągnął sukces nie tylko z powodu swoich obrazów, ale też oryginalnego sposobu bycia i ubierania się. W 1887 Chełmoński wraz z żoną, z którą pobrał się w 1878 roku, i czwórką dzieci zamieszkał w Warszawie. Po długotrwałym konflikcie z żoną, przeprowadził się na wieś, gdzie żył samotnie do końca swoich dni. Malarz pod koniec życia cierpiał na miażdżycę, zmarł w 1914 roku i został pochowany na cmentarzu w Ojrzanowie.

Cechy charakterystyczne malarstwa Chełmońskiego

Malarstwo Józefa Chełmońskiego charakteryzuje się głębokim zrozumieniem piękna polskiej przyrody i specyfiką życia na wsi. Był artystą, który kładł nacisk na szczegółowość i realizm w swoich pracach. Jego obrazy często przedstawiają sceny rodzajowe z życia wiejskiego, w tym zwierzęta i rolników na tle malowniczych polskich krajobrazów.

Chełmoński jest również znany z wyjątkowego sposobu używania koloru. W swoich pracach często korzystał z ciemnych, ziemistych tonów, które dodawały jego obrazom głębi i realistycznego charakteru. Jego styl jest często opisywany jako liryczny realizm – i nie bez przyczyny. Poetyckie i romantyczne elementy występujące w jego twórczości zachwycają do dziś.

Najbardziej znane obrazy Józefa Chełmońskiego

Wśród cenionych obrazów Józefa Chełmońskiego wymienić możemy wiele dzieł – w tym takie, które wiele osób dobrze zna, choć nie umie ich połączyć z nazwiskiem tego artysty. Do najbardziej znanych i cenionych jego prac należą:

• „Bociany”, datowane na 1900 rok, stanowiące typowe dla Chełmońskiego, precyzyjne i realistyczne ukazanie sylwetki dwóch mieszkańców wsi na tle polskiego krajobrazu.
• „Czwórka” z 1881 roku – wielkoformatowe płótno przedstawiające zaprzęg czterech koni, powożony przez podolskiego chłopa po błotnistym terenie.
• „Babie Lato”, czyli obraz namalowany w 1875 roku, ilustrujący postać kobiecą, leżącą na ziemi i trzymającą w wyciągniętej ręce nitki babiego lata.
• „Powrót z balu” (z 1879 roku) – malownicza scena powrotu z imprezy na wsi pędzącym w zimowy wieczór zaprzęgiem konnym.

Charakterystyczny dla Józefa Chełmońskiego realizm widać też na takich dziełach, jak „Próba czwórki” (1878), „Kuropatwy” (1891), „Epizod z powstania 1863” (1884-1886), „Pod Twoją Obronę” (1906).

Ciekawostki o Chełmońskim

Józef Chełmoński, choć był autorem licznych wierszy i wspomnień znajomych malarzach, nie przepadał za pisaniem listów. Te, które po nim zostały, świadczą o tym, że ta forma zdecydowanie nie należała do jego ulubionych. Sam zresztą przyznawał w listach: „Już to prawda, że pisać nie moja rzecz” czy “pisać mi przykro przychodzi, a wolę Was kochać w milczeniu”. Chełmoński znany był również z fotograficznej pamięci, która pozwalała mu oddać zaobserwowane wcześniej szczegóły, nawet takie, jak dynamika zwierząt w ruchu czy subtelne zjawiska atmosferyczne. Zanim zabrał się do pracy nad wielkoformatowymi płótnami, zawsze tworzył rysunki – choć mniej znane, równie imponujące co jego obrazy olejne.

Józef Chełmoński pozostawił po sobie imponujące dziedzictwo. Jego obrazy są cenione zarówno za mistrzostwo artystyczne, jak i za głębokie ukazanie polskiego krajobrazu i kultury. Stał się inspiracją dla wielu późniejszych artystów, którzy podziwiali jego umiejętność uchwycenia esencji polskiego życia wiejskiego i natury. Wiele przykładów fascynacji realizmem Chełmońskiego, znaleźć możesz również wśród obrazów w naszej internetowej galerii sztuki.

Należyty relaks czy słodkie lenistwo? Do kwestii odpoczynku można podchodzić na wiele sposobów, ale łączy je jedno: fakt, że każdy z nas czasem go potrzebuje. Między innymi o tym jest najnowsza wystawa w galerii Dizajn wrocławskiego BWA.

Work-life balance to pojęcie, które nie jest wymysłem współczesnego świata i nie wiąże się ściśle z zachodnimi korporacjami. Już w okresie socjalizmu równowaga między pracą a odpoczynkiem była koncepcją ważną i realizowaną nie tylko przez pracowników wysokiego szczebla, ale też przysłowiowych “Kowalskich”. O tym właśnie jest wystawa “Kowalscy muszą wypocząć” w galerii Dizajn wrocławskiego BWA. Ekspozycja opowiada w ciekawy sposób o formach spędzania czasu wolnego w okresie PRL, a główną osią są formy spędzania wolnego czasu, organizowane przez Państwową Fabrykę Wagonów „Pafawag”, które były jednym z pierwszych, uruchomionych po 1945 roku, przedsiębiorstw we Wrocławiu.

Na wystawie prezentowane są przede wszystkim liczne pamiątki, pochodzące zwykle z prywatnych zbiorów pracowników, świetnie oddające nie tylko ideę odpoczynku z tamtych lat, ale też ducha projektowania z okresu PRL. Jak podkreślają twórcy wystawy, “historie wieloletnich pracowników i znalezione w ich szufladach proporce, przypinki, zdjęcia, sportowa koszulka, czapka czy inne materiały reklamowe to zapis codzienności okresu PRL”.

Praca, relaks i projektowanie

Wystawa “Kowalscy muszą wypocząć” w galerii Dizajn wrocławskiego BWA nie jest krytyką konkretnego ustroju politycznego. Dotyczy raczej czaru minionych lat, wspomnień, złudnej iluzji z czasów młodości. Obejmuje kilka różnych zagadnień, takich jak kultura fizyczna, wycieczki zakładowe, imprezy okolicznościowe, ośrodki wypoczynkowe oraz estetyzacja otoczenia w środowisku pracy. Każdy z nich podkreśla charakterystyczny koloryt okresu socjalizmu w Polsce i wskazuje na konkretne rozwiązania, jakie wówczas się stosowało, żeby zacieśnić relacje pracowników z zakładami pracy, które niejednokrotnie – jak to było w przypadku przedsiębiorstwa Pafawag – stanowiło niejako “miasto w mieście”. Wystawę można obejrzeć do 21 maja 2023.

Nowojorska scena artystyczna lat 80. XX wieku to Twój konik? A może chcesz poznać ją lepiej? Powodów, żeby zobaczyć wystawę “Basquiat x Warhol. Obrazy na cztery ręce” w paryskiej instytucji Fondation Louis Vuitton jest wiele. Poznaj więcej informacji na jej temat.

Postaci Andy’ego Warhola chyba nikomu nie trzeba przedstawiać. Czołowy twórca pop-artu, skandalista i autor słynnej “Puszki z zupą firmy Campbell” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych artystów XX wieku. Swoją twórczością wpłynął nie tylko na artystów, którzy działali w tym samym czasie, ale też na kolejne pokolenia malarzy, rzeźbiarzy czy fotografów.

W połowie lat 80. słynny Amerykanin wszedł w wyjątkową współpracę z twórcą graffiti, 24-letnim wówczas Jean-Michel Basquiatem. W latach 1984-1985 obaj stworzyli razem około 160 obrazów w tandemie, „à quatre mains” (z francuskiego: na cztery ręce). Część z nich będzie można zobaczyć na wystawie, którą do można obejrzeć na wystawie w Fondation Louis Vuitton w Paryżu.

Basquiat x Warhol. Historia amerykańskiego malarstwa w pigułce

Na wystawie “Basquiat × Warhol. À quatre mains” zobaczyć można prace, które powstały podczas współpracy obu artystów w latach 1984-1985. Wśród zaprezentowanych w ekspozycji dzieł zobaczyć można nie tylko rysunki, powstałe w nowojorskiej pracowni Andy’ego Warhola, ale też podwójne autoportrety twórców, na przykład ten kultowy, na którym Basquiat i Warhol pozują w spodenkach bokserskich i z rękawicami Everlast.

Wystawę “Basquiat × Warhol. À quatre mains” w Fondation Louis Vuitton w Paryżu obejrzeć można do 28 sierpnia 2023 roku. Jeśli szukasz ciekawego pomysłu na wakacje, zarezerwuj bilet do Francji i odwiedź nie tylko Luwr, ale też wystawę dedykowaną najwybitniejszym osobowościom nowojorskiej sceny artystycznej lat 80.

W warszawskim domu aukcyjnym Desa Unicum już 15 czerwca odbędzie się wyjątkowa aukcja “Sztuka Fantastyczna. Surrealizm i Realizm Magiczny”. Dlaczego warto mieć tę datę w pamięci? Wystarczy sprawdzić, jakie dzieła będą licytowane.

Miłośnicy sztuki surrealistycznej już 15 czerwca powinni zajrzeć do warszawskiego domu aukcyjnego Desa Unicum na ulicy Pięknej. To tam odbędzie się wyjątkowa aukcja “Sztuka Fantastyczna. Surrealizm i Realizm Magiczny”, na której licytować będzie można dzieła takich twórców, jak Wojtek Siudmak, Rafał Olbiński, Tomasz Alen Kopera, Jarosław Jaśnikowski czy Ewa Pello. Jeśli chcesz mieć w swojej kolekcji obrazy czołowych przedstawicieli kierunku, koniecznie weź udział w aukcji. Organizatorzy tak zachęcają potencjalnych uczestników: “Prezentujemy intrygujące dzieła, przepełnione baśniową poetyką oraz zmysłową erotyką okraszonych szczyptą mroku”. Ceny wywoławcze zaczynają się już od kilku tysięcy.

Magiczny świat surrealizmu

Aukcja Desa Unicum dedykowana jest dziełom surrealistycznym oraz tym, które “romansują” z tym kierunkiem w mniej lub bardziej dosłowny sposób. Samo pojęcie „surrealistyczny” zostało sformułowane w 1917 roku. W zamyśle jego twórcy, krytyka sztuki Apollinaire’a, miało ono oznaczać wytwór przemyślany w sposób racjonalny, charakteryzujący się oryginalnością elementów, które zostały w nim zastosowane. Później surrealiści skupili się przede wszystkim wyrażaniu percepcji wewnętrznej za pomocą chociażby malarstwa. Ich dzieła miały burzyć logiczny porządek rzeczywistości i opierać się na tym, co niezależne od świadomego “ja”. Co ciekawe, malarstwo surrealistyczne zawsze szło w parze z psychoanalizą, której podwaliny tworzyli w tamtych latach Carl Gustaw Jung czy Zygmunt Freud. Zajrzyj do Desy, jeśli ta tematyka Cię interesuje.